Monogram duše MAESTRA

Dedičstvo Adalberta Erdélyiho
v Zakarpatskom oblastnom umeleckom múzeu J. Bokšaja

english version
українська версія



„Vnímam život v celom bezmedznom bohatstve jeho prejavov, prežívam ho ako impresiu, stvárňujem ako farbu, odovzdávam ako náladu...“ — v týchto slovách Adalberta Erdélyiho sa ukrýva kľúč k tajomstvu tvorby umelca, brilantného majstra maľby, významného umeleckého zjavu nielen v priestore Karpatského kraja, ale aj v kontexte domáceho a európskeho výtvarného umenia 20. storočia.

Erdélyi je umelec s hlboko estetickým vnímaním sveta, tvorca so širokým okruhom žánrových a obrazovo-štylistických záujmov. Suverénne ovládal všetky druhy stojanovej výtvarnej tvorby: s virtuóznou ľahkosťou pracoval v technike olejomaľby, vytváral „maliarsky“ modelované plastické kompozície a bol neprekonateľným kresliarom, ktorý presvedčivo ovládal jazyk lineárneho prejavu. Diela Adalberta Erdélyiho dnes tvoria „zlatý fond“ národného umeleckého dedičstva. Jeho tvorivý odkaz sa starostlivo uchováva v mnohých domácich kolekciách, ako aj v umeleckých zbierkach v zahraničí. Najúplnejšiu, najcelistvejšiu a najhodnotnejšiu zbierku, pokiaľ ide o odbornú úroveň, vlastní Zakarpatské oblastné umelecké múzeum J. Bokšaja. Umožňuje uvedomiť si rozsah maliarovho talentu, sledovať jeho cestu od prvých samostatných krokov v oblasti umenia až po najvyššie autorské výdobytky a určiť najvýraznejšie kvality jeho brilantnej polyfónnej maľby.

Za niekoľko desaťročí vytvoril Erdélyi stovky plátien. Medzi najrannejšie známe maliarske diela, ktorých autorstvo patrí A. Erdélyimu, patrí „Portrét matky“, datovaný rokom 1914, čo sa časovo zhoduje s ukončením štúdia na Budapeštianskej akadémii umení. V tomto diele, ešte poznačenom pečaťou akademických vplyvov, mladý umelec preukázal isté ovládanie prostriedkov realistického maliarskeho rukopisu. Obraz svedčí o prirodzenom talente a dobrej odbornej príprave absolventa umeleckej vzdelávacej inštitúcie známej v celej Európe.

Postupom času, počas mnohých ciest po európskych krajinách a osvojovania si skúseností i výdobytkov umeleckých procesov Budapešti a Mníchova, Viedne a Prahy, Erdélyi — maliar s vyvinutým estetickým vkusom — ľahko prekonáva dočasné znaky svojej „profesionálnej nezrelosti“ a rýchlo sa zapája do maliarskych inovácií. Od okamihu tvorivého sebaurčenia, ktoré spadá do prvej polovice 20. rokov 20. storočia, sa začína plodné obdobie umelcovho tvorivého života a jeho maliarsky prejav sa suverénne rozvíja. Postupne mizne drobná detailizácia raných prác i povrchná mnohovravná opisnosť. Maliar sa vzdáva tmavých „múzejných“ tónov; narastá význam čistej, jasnej palety, zreteľnej siluety, výraznej maliarskej plasticity a objavuje sa voľný široký ťah štetca, ktorý suverénne modeluje obrazové objemy. Znaky nového maliarskeho myslenia dôstojne reprezentujú plátna „Mníchovský park“ (20. roky 20. stor.), „Starec“ (1924), „Otec umelca“ (1926) a „Portrét biskupa Vasiľa Tokača“ (1927). Odtiaľ sa začína chronológia istých tvorivých vzostupov umelca.

Do druhej polovice 20. rokov 20. storočia spadajú závažné výsledky práce A. Erdélyiho v rozličných žánroch; rovnako úspešne tvorí v oblasti krajinomaľby, zátišia i portrétu. Pri zachovaní znakov úctivo-objektívneho vzťahu k zobrazovanej skutočnosti nadobúda maliarovo umenie nové kvality. Prejavuje sa to v používaní širokých dekoratívnych farebných plôch s dominanciou silných a zvučných tónov, v taktnom uplatnení vyváženej miery štylizácie a zovšeobecnenia i v príklone k voľnej umeleckej improvizácii. Medzi najlepšie príklady maliarovej tvorby tohto obdobia možno zaradiť obraz zo zbierky múzea „Mladá maliarka“ (1928). Maliar zobrazil svoju modelku — mladé príťažlivé dievča v interiéri ateliéru medzi umeleckými predmetmi: vyšívanými obrúskami, gobelínmi, tkanými kobercami, dielami maľby a plastiky. Portrétovaná sedí v pokojnej, nenútenej póze, voľne a s artistickou ľahkosťou opretá o operadlo pohovky, a pozerá sa na diváka i na svet. Dievča je harmonicky „včlenené“ do predmetného prostredia a cíti sa prirodzene v žiarivom živle farieb a foriem. Všetko v obraze je podriadené myšlienke potvrdenia krásy a mladosti, šťastia a radosti zo života.

Tendencia k obohacovaniu a obnove individuálnych prostriedkov tvarovej výstavby, ako aj príklon k zvýšenej expresii maľby, sú čitateľné aj v rade ďalších diel tohto obdobia. Ide predovšetkým o obrazy „Cigánky“ (1928) a „Zátišie s drapériou“ (1927). Zdá sa, akoby farba, ktorá „driemala“ v maliarskych masách predchádzajúcich plátien, sa „prebudila“, uvoľnila a rozliala po plátne teplými i chladnými farbami. Tie sa ukladajú na povrch, splývajú, miešajú sa, pretekajú jedna do druhej a vytvárajú harmonickú farebnú polyfóniu. Expresívna plastika smelo zovšeobecňuje, štylizuje a voľne deformuje zobrazované formy. Ďalšou umeleckou inováciou maliara je, že trojrozmernosť a presvedčivá objemovosť štruktúrno-priestorových riešení ustupuje dekoratívnej výraznosti siluetovo-plošného maliarskeho prejavu.

V tomto čase A. Erdélyi pre seba objavuje jeden zo základných a obľúbených motívov svojho umenia — vodu. V zátiší „Poháre s vodou“ (1921) sa po prvý raz stretávame so zobrazením pohára s krištáľovo čistou, priezračnou pramenitou vodou, ktorá sa v kontexte umelcovej tvorby stala mytopoetickým symbolom, zosobnením krásy a dokonalosti, čistoty a jasnej harmónie, prameňom, ktorý živí a napája všetko jestvujúce na zemi. Celá ďalšia tvorba umelca sa rozvíja v „znamení vody“; táto téma prechádza z obrazu do obrazu a obohacuje sa o nové tvorivé myšlienky i obrazovo-plastické objavy.

Prelom 20. a 30. rokov minulého storočia bol v životnom a tvorivom osude Erdélyiho významný a určujúci tým, že jeho umelecké cesty neobišli „Mekku“ európskeho kultúrneho života — Paríž, ktorý vtedajšiemu svetu diktoval svoje estetické normy a citeľne ovplyvňoval tvorivé procesy mnohých národných umeleckých škôl. Erdélyi však do tohto žiarivého hlavného mesta neprichádza ako nesmelý začiatočník; nestráca sa v pestrom kaleidoskope umeleckých druhov a inovácií. Obdarený jemným estetickým vkusom a obohatený umeleckou skúsenosťou Budapešti a Mníchova sa suverénne a slobodne pohyboval v živle rozličných estetických programov. Erdélyiho priťahovala maliarska štylistika takých navzájom odlišných tvorivých osobností, akými boli Matisse a Derain, Vlaminck a Dufy. Osobitný dojem však naňho urobili Cézannove konštruktívne hľadania. Umelec sa zúčastňuje na prestížnych parížskych výstavách spolu so svojimi slávnymi kolegami a dosahuje úspech. Jeho odvážne maliarske manifestácie vyvolali priaznivé ohlasy v kruhoch odborníkov i početných znalcov umenia.

V týchto rokoch sa maliar so záujmom zahľadí do vlastnej tváre. V Zakarpatskom oblastnom umeleckom múzeu sa uchovávajú dva vynikajúce autoportréty z tohto obdobia. Prvý z nich je namaľovaný uvoľnenou, ľahkou a hravou manierou. Pred nami stojí elegantne oblečený mladý muž, predstaviteľ parížskych umeleckých kruhov, pravidelný návštevník umeleckých salónov a kaviarní. Jemné črty príťažlivej predĺženej tváre, kolísavá, neistá póza a tenké dlhé prsty — to všetko prezrádza tvorivú, umelecky založenú a vnímavú povahu.

Naopak, druhý autoportrét, ktorý si zachoval autorský názov „20. storočie“, zobrazuje umelca v podobe Krista s tŕňovou korunou na hlave; na jeho tvári je pečať utrpenia a bolesti. Tmavý, takmer monochromatický, pochmúrny kolorit s nepokojnými, tajomne mihotavými odleskami svetla v spojení so zdôraznenou ostrosťou ťahu štetca vytvára napäto-dramatickú náladu. Týmto spôsobom maliar uvažuje o zmysle pozemského bytia, o poslaní umelca, o jeho závislosti od životných reálií a okolností, ktoré sa voči tvorcovi ukazujú zďaleka nie vždy priaznivo.

Erdélyi s nadšením maľoval portréty svojich kolegov a priateľov, ľudí, ktorých mal rád a dobre poznal. Súčasníci právom nazývali portréty maliara „morálnymi dvojníkmi modelov“. Vynikajúcim príkladom Erdélyiho portrétnej maľby parížskeho obdobia je plátno „Anders Osterlind“ (1930), ktoré sa takisto uchováva vo fondoch múzea. Komorné maliarske zobrazenie v menšom formáte, venované holandskému básnikovi a grafikovi známemu vo svojej dobe, sa vyznačuje nezaujatosťou, jasnou jednoduchosťou a konštruktívnosťou plastického prejavu. Pevná, energická maľba a výrazné formy, modelované expresívnymi presnými údermi štetca, sprostredkúvajú cieľavedomý, silný a vôľový charakter sebestačnej tvorivej osobnosti — práve takto poznali Andersa Osterlinda jeho súčasníci.

Za jeden z najvyšších úspechov Erdélyiho ako portrétistu sa právom považuje „Portrét A. S.“. Práve týmto dielom sa vlastne začala múzejná zbierka karpatského maliarstva. V archívoch múzea sa uchováva dokument vlastnoručne podpísaný autorom, ktorý potvrdzuje akt darovania: „Prosím o prijatie obrazu ,Portrét A. S.‘ ako daru Zakarpatskej oblastnej obrazárni — maliar Erdélyi.“ Za týmito strohými, lakonickými riadkami sa skrýva príbeh nežných romantických citov. Umelec odkazuje múzeu, v snahe navždy „usídliť“ v tichu jeho sál, jeden zo svojmu srdcu najdrahších obrazov, ktorý uchováva spomienku i obrazy dôverného, hlboko osobného a prežitého, a nesie nostalgické spomienky na šťastné roky, ktoré nenávratne uplynuli. Obraz A. S. je opradený legendami, nedopovedanosťou a nejasnými narážkami — nie nadarmo autorský názov neodhaľuje meno ženy, ale odtajňuje iba jej iniciály. Kto teda bola táto záhadná mladá osoba? Aglaia Szerémi — tak sa volala pôvabná maliarova modelka, čo sa ukázalo až neskôr. V čase vzniku obrazu mala táto príťažlivá dievčina šestnásť rokov, zatiaľ čo autor mal za sebou už štyri desaťročia života. Umelec zobrazil modelku o čosi dospelejšie, akoby sa pomocou jemu dostupných maliarskych prostriedkov usiloval skrátiť vekový odstup takmer štvrťstoročia, ktorý ich rozdeľoval.

Ide o rozmernú, efektnú kompozíciu. Zobrazuje krásnu mladú ženu v bohatých, vycibrene elegantných šatách tmavej farby, rozohratých zložitými tónovými prelivmi smaragdu, a v bielej kožušinovej peleríne, ktorá jej voľne skĺzava z pleca. Mladá žena sedí vo vysokom kresle v nenútene uvoľnenej póze; jej do seba zahľadený, zamyslený pohľad „obchádza“ diváka. Maliar sprostredkúva celú zložitosť citov a emócií tejto príťažlivej svetskej krásavice. Autora a jeho modelku spájajú vrelé a úprimné city vzájomnej sympatie a maliar nepovažuje za potrebné skrývať ich. A. S. preňho navždy zostala nedosiahnuteľným ideálom, neuskutočniteľným snom mladosti. V „Portréte A. S.“ Erdélyi dosvedčil svoju oboznámenosť s maliarskymi výdobytkami kultivovaného a vycibreného štýlu európskeho salónu.

Napriek všetkým pokušeniam a zvodom žiarivého francúzskeho hlavného mesta sa Parížu nepodarilo zmocniť sa maliarovej duše a srdca. Ani roky Erdélyiho pobytu v Paríži možno len sotva nazvať obdobím nepretržitého sviatku, všeobecného blahobytu, materiálneho dostatku a duševného komfortu. Napätá, miestami vyčerpávajúca práca v umeleckých ateliéroch, časté jestvovanie na hranici chudoby, neustále hľadanie zárobku, váhanie a pochybnosti o správnosti vlastného tvorivého programu, a najmä nezadržateľná túžba vrátiť sa do rodného kraja — to všetko menilo Erdélyiho parížsky život na neznesiteľnú existenciu v cudzine. Umelec si do denníka zapísal:

„Som v Paríži... a je zvláštne, s akou prísnou kritikou prijímam všetko videné...“ A ďalej: „Cítim, že akási mocná sila predkov ku mne volá, volá ma ku koreňom, podnecuje ma k tvorbe.“

Už ako známy maliar, umelec s európskym menom, sa Erdélyi vracia do svojej vlasti, tam, odkiaľ sa začali jeho putovania po vzdialených i blízkych umeleckých svetoch. Na rodnej a srdcu drahej materskej Striebornej zemi spolu so svojím rovnako zmýšľajúcim druhom a spolupútnikom J. Bokšajom vytvára veľké dielo — zakladá tradície podkarpatskej umeleckej školy, ktorá sa stala jedinečným, široko známym javom domácej výtvarnej kultúry.
Po návrate na rodnú zem sa umelec nevedel dosýta „nadýchať“ rodných krajín, ktoré zrazu videl nanovo. Skúsenosť vtedajšej európskej maľby mu pomohla uvedomiť si bohaté možnosti stvárnenia karpatskej prírody, čo nebolo jednoduché, pretože v kraji v tom čase ešte neexistovala tradícia profesionálnej krajinárskej školy. Postupne táto maliarska téma v umelcovej tvorbe nadobúda črty stability a dôslednosti — tak vo výbere motívu a formovaní umeleckej idey, ako aj v spôsobe realizácie výtvarného zámeru. Najvýrečnejším znakom Erdélyiho krajinárskej tvorby je schopnosť vidieť a zobrazovať svet prejasnený, žiarivý, taký, aký bol v deň stvorenia Všemohúcim — v jasnej harmónii a nezakalenej čistote.

Obľúbeným krajinárskym námetom je krajina s vodou. Sú to zobrazenia pokojných riek obrastených vysokými stromami, ktoré snivo rozprestreli svoje široké, vejárovité konáre a uzatvárajú kompozíciu po okrajoch, alebo tichých vodných plôch so zložitou plastikou strmých brehov; len celkom zriedka ide o horské bystriny a kľukaté potoky, ktoré hravo stekajú po maliarsky pôsobivých karpatských svahoch. Práve zobrazenie vody, v ktorej sa zrkadlí celý neobsiahnuteľný svet, dalo autorovi podnet a možnosť zovšeobecniť jeho veľkú maliarsku skúsenosť a vyvodiť osobitý systém kompozičného, koloristického a svetelného videnia.

Erdélyi vytvára rad nádherných krajinomalieb, v ktorých sa sviežosť a bezprostrednosť autorovho vnímania sveta spája s virtuóznou schopnosťou štylizovať a zovšeobecňovať formy, vyhýbať sa nadbytočným detailom a premieňať dojmy z prírody na výrečné krajinárske obrazy: „Pred búrkou“, „Letná krajina“, „Krajina s riekou“. Maliar „vizualizuje“ svoje impresie pomocou bohatej dekoratívnej palety čistých, jasných farieb s dôrazom na otvorené zelené, smaragdové a olivové tóny, ako aj suverénnym, energickým modelovaním maliarskych foriem, čo maliarske kvality jeho plátien približuje k štýlovým znakom postimpresionistických hľadaní.

Ďalšou obľúbenou krajinárskou témou Erdélyiho je prepojenie „čistej“ krajiny s dejovým alebo architektonickým motívom. V dôsledku takéhoto spojenia rôznožánrových prvkov netrpia maliarove obrazy preťaženosťou rozprávačskými podrobnosťami. Maliarske dianie, ktoré umelec rozvíja pred divákom, sa povznáša nad prozaickú každodennosť; maliar vie v živote nájsť a uvidieť krásu a zastaviť na nej plynutie času. S týmto druhom umeleckých prác nás oboznamujú múzejné plátna „Krajina s riekou“, „Domčeky pri rieke“, „Pred búrkou“, „Pri kláštornom múre“, „Krajina s architektonickou pamiatkou“, „Drevený kostol“.

Umelecké výdobytky „európskych putovaní“ a dôkladná odborná príprava sa brilantne prejavili ešte v jednom žánri, v ktorom majster dosiahol azda svoje najvyššie maliarske objavy — v zátiší. Odvážny dekorativizmus farby a plastiky, zložité svetelné efekty — to sú základné maliarske problémy, ktoré umelca v tomto druhu maľby neprestajne zaujímali. Zátišia v Erdélyiho tvorbe neboli iba každodennými obvyklými „škálami“ pre oko a ruku, ale presadzovali sa ako veľká a samostatná maliarska téma. Erdélyi vnáša do oblasti „neživej prírody“ množstvo vycibrených, elegantných a sviežich riešení, vyčleňuje obľúbený okruh predmetných zobrazení a s vkusom si vyberá objekty maľby. Pritúlené jeden k druhému alebo zachovávajúce istú priestorovú pauzu stoja a ležia na zrkadlovej ploche stola predmety — vázy a poháre, taniere a tácky, sošky a hodiny, ovocie a kvety. Zvyčajne medzi nimi dominuje pohár s vodou. Sústredí v obraze svetlo, ktoré sa akoby „ponára“ do maliarskeho víru a vďaka transparentnosti skla a striebristej priezračnosti krištáľovej pramenitej vody sa stáva hmotne citeľným.

V Erdélyiho autobiografických spovediach nachádzame takéto poetické vyznanie: „Ten pohár vody, ktorý po sebe zanechám, nemôže odhaliť hĺbku mojich citov a emócií... Ak však tento pohár postavíte na slnko, v farebnom polkruhu uvidíte monogram mojej duše.“

Slnečné lúče v každom predmete „žijú“ inak — v ušľachtilom krištáli sa rozohrávajú farebným bohatstvom jeho nekonečných možností, tajomne svietia zvnútra polopriesvitných porcelánových sošiek, chvejivo vibrujú v jemných lupienkoch kvetov, chladne sa zablysnú na hladkom povrchu kovového riadu a mäkko sa odrážajú v teplej leštenej doske stola, na ktorom sa odohráva tento sviatok svetla, farby a foriem. Pre maliara je podstatné zachytiť túto chvíľu života slnečného lúča. V takých okamihoch umelca ovládal neodolateľný tvorivý zápal a temperamentným štetcom smelo nanášal farby na plátno, uchvátený krásou sveta.

Ďalším príťažlivým autorským postupom v umení zátišia je prítomnosť symbolickej „vizitky“ maliara, jeho príznačného atribútu: „obrazu v obraze“. Ide o zobrazenie charakteristickej „erdélyiovskej“ krajiny s vodou, ktorá sa nenápadne vpisuje do osnovy plátna. Týmto spôsobom si umelec kladie a brilantne rieši zložité obrazové a formotvorné úlohy a dosvedčuje, že sa stal maliarom, ktorý ovládol umenie estetizovať každodenné prejavy života.

Vo svojich maliarskych hľadaniach v oblasti zátišia Erdélyi veľa a rád experimentuje, pričom siaha po rozličných, neraz navzájom nepodobných prostriedkoch obrazového formového prejavu. Stáva sa, že diela oddelené len malým časovým odstupom sa líšia svojimi štýlovými znakmi. Napríklad „Zátišie s červenou šálkou“ alebo „Zátišie s fľašou a ovocím na tácke“ sú namaľované v zdôraznene dekoratívnej maniere, plošne, s výrazným kontúrovaním siluetových zobrazení; v „Zátiší s čašou a ovocím“ sa však autor, napriek tradičnej nehybnosti zátišia, uchyľuje k zložitým maliarsko-priestorovým riešeniam a k pohyblivej dynamickej plastike, čím sa jeho maniera dostáva do súzvuku so štylistikou expresionizmu.

Ďalšou lákavou témou Adalberta Erdélyiho v umení zátišia boli kvety v plenéri. Maliara neodolateľne priťahovali motívy, ktoré už svojou faktúrou, formou a farbou „provokovali“ a „rozochvievali“ jeho umeleckú predstavivosť a vyžadovali si zložité maliarske riešenia: „Záhradné sirôtky“, „Kosatce“, „Floxy“, namaľované ľahko a virtuózne, pružnými ťahmi štetca smerujúcimi do rozličných strán.

Skúsenosť cézannovského rukopisu a umelecké objavy vtedajších európskych škôl, zaznamenané v Erdélyiho obrazoch predvojnového obdobia, sú čitateľné aj v maliarovom portrétnom umení. Umelec sa díva okolo seba, ponára sa do svojho autentického prostredia. Svoje modely nachádza v odľahlých horských dedinách medzi pastiermi a drevorubačmi, medzi vidieckou chudobou a Rómami. V ich zobrazeniach nezostáva ani stopa po vycibrene estetizujúcej štylistike „parížskeho salónu“, po reprezentatívnosti a „obrazovej umelosti“ objednaných portrétov. Maliar tvoril svojich hrdinov jedným dychom — emocionálne, inšpirovane, rýchlo, temperamentne. Majster sa sústreďuje nielen na stvárnenie zložitých emocionálno-psychologických stavov, ale aj na riešenie čisto formálnych maliarskych úloh.

Sústredenosť na estetickú problematiku sa prenáša do charakteru rukopisu: zosilňuje sa energia ťahu štetca — širokého, expresívneho a dynamického —, narastá intenzita koloritu založeného na zvučných spojeniach obľúbených odtieňov zelenej a dynamická maliarska plastika podstupuje smelé deformácie. Tieto kvality Erdélyiho portrétneho umenia dosvedčujú diela ako „Hucul“, „Hucul s fajkou“, „Starý Cigán“, „Mužský portrét“, „Starý koniar“. V týchto dielach možno pozorovať zvýšenú expresiu maľby, charakteristickú pre maliarovu portrétnu tvorbu predvojnového obdobia, ako aj zostrený pocit seba samého ako neoddeliteľnej organickej súčasti existencie rodného národa s jeho sviatkami a všednými dňami, zápasmi a sebapotvrdzovaním, plačom i spevom.

Erdélyi už prekročil hranicu poludnia svojho veku, keď na Zakarpatie prišla sovietska moc a spolu s ňou aj „nový poriadok“. Maliar privítal novú dobu s nadšením. Plný optimistických nádejí a očakávaní si pred sebou maľoval dúhové perspektívy spojené s otvorením Umeleckej akadémie v Užhorode. Komunistický režim však nielenže nenaplnil umelcove radostné očakávania, ale do knihy životopisu Adalberta Erdélyiho vpísal dramatické, miestami tragické stránky. V archívnom oddelení Zakarpatského oblastného umeleckého múzea sa uchováva dokument podpísaný maliarom, ktorý ohromuje svojou tragickosťou. Erdélyi sa v ňom pod hrubým a nemilosrdným ideologickým nátlakom zrieka toho najdrahšieho v živote — umenia — a obviňuje sa z najťažších hriechov z hľadiska oficiálnej moci: z kozmopolitizmu, formalizmu a napomáhania západnej buržoáznej kultúre.

Atmosféra tvrdého ideologického tlaku, prenasledovanie za najmenšie prejavy tvorivej voľnomyšlienkarskosti, za najnepatrnejšie odchýlky od prísne regulovaných požiadaviek a noriem metódy socialistického realizmu — to všetko bolestne poznačilo Erdélyiho tvorbu.

Cenou týchto vynútených kompromisov bola strata najvyšších kvalít vlastného maliarskeho formového prejavu. Vynútený pokus „zmieriť“ svoje umelecké vášne a záujmy s prísnymi nariadeniami štátnej kultúrnej politiky výrečne dokladá rad diel, ktoré Zakarpatské oblastné umelecké múzeum získalo v prvých povojnových rokoch: „Komsomolka“, „Likvidácia negramotnosti“, „Píšuca komsomolka“. Tieto práce odhaľujú ideovo-obrazovú blízkosť k štylistike klasikov umenia socialistického realizmu. A hoci tieto dejové plátna, poznačené črtami objednávkovej programovosti a ideologickej predpojatosti, možno len ťažko zaradiť medzi najvyššie umelecké úspechy Erdélyiho, predsa ukazujú majstrovskú odbornú zručnosť a zachovávajú energiu silnej, istej autorskej maľby.

Maliarovi zjavne mohol hroziť osud mnohých talentovaných umelcov bezfarebnej doby, ktorí po strate vlastnej individuality zablúdili a rozpustili sa v sivom dave horlivých a poslušných prisluhovačov režimnej ideológie. Vysoká vnútorná kultúra, erudícia a predovšetkým profesijná dôstojnosť však Erdélyimu pomohli uchovať si jeho umeleckú výnimočnosť. A vtedy sa pod talentovaným štetcom umelca rodia maliarske reminiscencie, ktoré vzkriesia najlepšie umelecké tradície majstra predvojnového obdobia. Predstavu o tomto druhu umeleckých prác poskytujú múzejné plátna „Horská rieka“, „Zakarpatská jeseň“, „Nábrežie“, „Vodopád“, „Dedina pri rieke“, „Portrét maliarovej manželky“, „Zátišie“.

V snahe vyslobodiť sa z pevných ideologických klieští hľadá Erdélyi tvorivú záchranu v umení portrétu; v tomto žánri sa zdokonaľuje a vytvára veľké množstvo portrétnych kresieb, náčrtov a štúdií. V týchto kompozíciách malého formátu sú rýchlou, obdivuhodne presnou a zručnou rukou umelca zachytené živé charaktery ľudí, s ktorými maliara na dlhý čas alebo čo i len na okamih spojili životné cesty. Časť týchto kresieb neskôr poslúžila ako prípravný materiál pri práci na jednom z najfundamentálnejších maliarskych diel Erdélyiho povojnového obdobia — „Skupinovom portréte užhorodských maliarov“ (uchováva sa v Národnom múzeu ukrajinského umenia v Kyjeve).

Technika olejomaľby diktovala svoju obrazovo-štylistickú lexiku. Erdélyi si pre svoju maliarsku portrétnu galériu vyberá tváre z blízkeho okolia — kolegov a priateľov, známych i členov rodiny. Premyslene a uvážene „vystavuje“ réžiu a scénografiu každého diela; pre každý model nachádza najvhodnejšiu obrazovo-štruktúrnu maliarsku asociáciu. Podstatné pre maliara je sprostredkovanie podstaty ľudskej osobnosti s jej myšlienkami, citmi a prežívaním, zachytenými v očiach, úsmevoch, rukách a gestách. Tieto kvality Erdélyiho portrétnej maľby sa plasticky čítajú v rade diel: „Portrét A. Zadora“, „Portrét N. Znamenskej“, „Portrét A. Santa“. Takmer všetky plátna sú namaľované prísnou, zdržanlivou manierou; kolorit stojí na jednofarebnom súzvuku hnedých, modrých alebo zelených tónov, obohatených zložitými tonálnymi reflexmi.

Pozornosť púta aj „Portrét T. Jablonskej“, poznačený nenútenou prirodzenosťou a taktnosťou maliarskeho zobrazenia. Na plátne chýbajú znaky okatého pózovania; vtedy mladá maliarka sedí v pokojnej, pohodlnej póze a jej mäkký, zamyslený pohľad prezrádza tvorivú, romantickú povahu.

Svojou obrazovo-koncepčnou ideou stojí do istej miery osobitne jedno z posledných významných umeleckých diel Erdélyiho v chronologickom slede — párový portrét-obraz „Mladí kolchozníci“ (originál sa nachádza v Ľvovskom národnom múzeu a autorská replika v Zakarpatskom oblastnom umeleckom múzeu J. Bokšaja). Na tomto plátne si maliar „spomína“ na štedrú mnohofarebnosť svojej palety, rozohratú jasnými, sýtymi dekoratívnymi farbami, vracia sa k výraznému plošne chápanému siluetovému rukopisu a k optimistickej, iskrivej maľbe. Maestro oslavuje a velebí život a v ňom radosť i šťastie lásky a mladosti.

Jednou z najdôslednejších a najustálenejších portrétnych tém Erdélyiho počas celého jeho tvorivého života bolo vlastné zobrazenie. Ako je známe, umelec je sám pre seba vždy najpohodlnejším a nenáročným modelom — vždy „poruke“, vždy pripravený pózovať. Charakteristické črty maliarovej tváre možno „tušiť“ a rozoznať tak v rade dejových kompozícií („Biskupovo precitnutie“, „Likvidácia negramotnosti“), ako aj v „čistých“ autoportrétnych maliarskych zrkadleniach („20. storočie“, „Autoportrét“ parížskeho obdobia). Posledným tvorivým dielom tohto cyklu podľa času vzniku, uchovávaným v múzejnej zbierke, je „Autoportrét“ datovaný rokom 1950. Umelec sa zobrazil pri maliarskom stojane so štetcami v rukách, pretože tvorba bola preňho zmyslom a obsahom života. „Život umelca plynie ako sen“ — tieto lyrické vyznania z Erdélyiho denníka svedčia o filozofickom premýšľaní umelca nad problémom zápasu tvorcu s pominuteľnosťou času. Maestro zobrazil seba samého ako mladého, nezávislého, istého, slobodného vo svojich tvorivých vzletoch — takým chcel zostať v pamäti potomkov. Tento autoportrét je maliarskym odkazom budúcim časom.

Čoskoro nato maliar odišiel... Adalbert Erdélyi je umelec, ktorý sa vypína nad časom. Obohatil svet talentovanými dielami, ktoré oslavujú krásu a radosť života. Aj dnes, na začiatku nového storočia, s viac než polstoročnou históriou za sebou, nestratili maliarove plátna príťažlivosť novosti a sviežosti a pôsobia prekvapivo mlado. A predovšetkým — v každom z nich sa ako slnečný lúč rozžaruje monogram duše Maestra.

Olena PRYCHODKO,
Halyna RYŽOVA,
historičky umenia, vedecké pracovníčky Zakarpatského oblastného umeleckého múzea J. Bokšaja
Užhorod, 2007

********

Монограма душі МАЕСТРО

Спадщина Адальберта Ерделі
в Закарпатському художньому музеї імені Й. Бокшая

"Я сприймаю життя у всьому безмежному багатстві його проявів, переживаю як імпресію, відтворюю як колір, передаю як настрій..." — в цих словах Адальберта Ерделі криється розгадка таїни творчості митця, блискучого майстра живопису, знакового художнього з’явлення не тільки на теренах Карпатського краю, а і в координатах вітчизняного та європейського образотворчого мистецтва ХХ століття.

Ерделі — художник з глибоко естетичним сприйняттям світу, митець з широким колом жанрових та образно-стилістичних захоплень. Йому були підвладні всі види станкової образотворчості: з легкістю віртуоза працював у техніці олійного малярства, йому належить авторство «живописно» виліплених пластичних композицій, був неперевершеним рисувальником, який впевнено володів мовою лінійного вислову. Твори Адальберта Ерделі складають нині «золотий фонд» українського національного художнього надбання. Його творча спадщина дбайливо зберігається у багатьох вітчизняних колекціях, а також мистецьких збірках за рубежем. Найповніше, найцілісніше і найвартісніше зібрання, з огляду на його фаховий рівень, власнить Закарпатський обласний художній музей ім. Й. Бокшая. Воно дає можливість уяснити масштабність таланту художника, простежити шлях від перших самостійних кроків у царині мистецтва до найвищих авторських здобутків, визначити найпромовистіші якості блискучого поліфонічного малярства митця.

За кількадесят років Ерделі створив сотні полотен. До числа найбільш ранніх відомих нам пам’яток живопису, авторство яких належить А. Ерделі, відноситься «Портрет матері», датований 1914 роком, що в часі збігається з датою закінчення Будапештської академії мистецтв. У цій роботі, ще відміченій печаттю академічних впливів, молодий художник продемонстрував впевнене володіння прийомами реалістичного письма. Вона засвідчує природний талант і хороший фаховий вишкіл випускника відомого в Європі художнього навчального закладу.

З часом, багато подорожуючи країнами Європи, засвоюючи досвід і досягнення художніх процесів Будапешта і Мюнхена, Відня та Праги, Ерделі, живописець із розвиненим естетичним смаком, з легкістю долає тимчасові ознаки своєї «професійної незрілості», швидко долучається до малярських новацій. З моменту творчого самовизначення, яке припадає на першу половину 1920-х років, починається плідний період мистецького життя художника, його малярська традиція впевнено розвивається. Поступово зникає дріб’язкова деталізація ранніх робіт, поверхнева багатослівна описовість. Живописець відмовляється від темних «музейних» кольорів, зростає роль чистої, ясної палітри, чіткого силуету, виразної живописної пластики, з’являється вільний широкий мазок, що впевнено ліпить образотворчі об’єми. Ознаки нового живописного мислення достойно репрезентовані полотнами «Мюнхенський парк» (1920-і рр.), «Старий» (1924), «Батько художника» (1926), «Портрет єпископа Василя Токача» (1927). Звідси започаткувалася хронологія впевнених творчих сходжень Художника.

На другу половину 1920-х років припадають серйозні напрацювання А. Ерделі у різних жанрах, він однаково успішно працює в царині пейзажу, натюрморту, портрету. Зберігаючи ознаки шанобливо-об’єктивного ставлення до натури, мистецтво живописця набуває нових якостей, що проявляється у застосуванні широких декоративних площин кольору з домінантою сильних і звучних барв, тактовному використанні виваженої міри стилізації та узагальнення, зверненні до вільної художньої імпровізації. До кращих взірців малярства художника цього часу можна віднести музейну картину "Молода художниця" (1928). Живописець зобразив свою модель — юну привабливу дівчину в інтер'єрі творчої майстерні серед предметів мистецтва — ґаптованих серветок, гобеленів, тканих килимів, творів живопису і пластики. Портретована сидить у спокійній невимушеній позі, вільно й артистично відкинувшись на спинку дивана, і дивиться на глядача і світ. Дівчина гармонійно "вписана" в предметне середовище, комфортно почувається в яскравій стихії кольорів і форм. Все в картині підпорядковане ідеї ствердження краси і молодості, щастя й радості життя.

Тенденція до збагачення й оновлення індивідуальних засобів формотворення, потяг до підвищеної експресії малярства прочитується і в ряді інших робіт цього періоду. Це, передусім, "Циганки" (1928) і "Натюрморт з драперією" (1927). Здається, що колір, який "дрімав" у живописних масивах попередніх полотен, "прокинувся", вивільнився і розлився на полотні гарячими та холодними кольорами. Вони лягають на поверхню, сплавляючись, змішуючись, перетікаючи один в одний, створюючи гармонійну колірну поліфонію. Експресивна пластика сміливо узагальнює, стилізує і вільно деформує зображальні форми. І ще одна мистецька новація художника — тривимірність і переконлива об'ємність структурно-просторових рішень поступається декоративній виразності силуетно-площинного живописного вислову.

У цей час А. Ерделі відкриває для себе один із основних і улюблених мотивів свого мистецтва — воду. У натюрморті "Склянки з водою" (1921) вперше зустрічається зображення склянки з кришталево-чистою прозорою криничною водою, яка у сенсі творчості митця стала міфопоетичним символом, уособленням краси і досконалості, чистоти і ясної гармонії, джерелом, що живить і напуває усе суще на землі. Вся подальша творчість художника розвивається під "знаком води", ця тема переходить із картини в картину, збагачуючись новими творчими ідеями, образно-пластичними знахідками.

Злам 1920-х — 1930-х рр. минулого століття був знаменним і визначальним у життєвій і творчій долі Ерделі тим, що його мистецькі дороги не оминули "Мекки" європейського культурного життя — Парижу, який диктував тогочасному світові свої естетичні норми, відчутно впливав на творчі процеси багатьох національних художніх шкіл. Однак Ерделі приїздить до цієї блискучої столиці не сором'язливим початківцем, він не губиться у строкатому калейдоскопі художніх різновидів та новацій. Наділений тонким естетичним смаком, збагачений мистецьким досвідом Будапешта і Мюнхена, він впевнено і вільно почувався у стихії різних естетичних програм. Ерделі захоплювався живописною стилістикою таких неподібних між собою творчих особистостей, як Матісс і Дерен, Вламінк і Дюфі. Та особливе враження справили на нього конструктивні пошуки Сезанна. Митець бере участь у престижних паризьких виставках разом зі своїми уславленими колегами і домагається успіху. Його сміливі малярські маніфестації викликали схвальні відгуки в колах фахівців та численних поціновувачів.

У ці роки художник із зацікавленням вдивляється у власне обличчя. В Закарпатському обласному художньому музеї зберігаються два прекрасних автопортрети цієї доби. Перший з них написаний в розкутій, легкій і грайливій манері. Перед нами — елегантно вдягнена молода людина, представник паризьких артистичних кіл, постійний відвідувач художніх салонів та кафе. Витончені риси привабливого видовженого обличчя, хитка, непевна поза, тонкі довгі пальці — все видає натуру творчу, артистичну, вразливу.

Натомість другий автопортрет, що зберіг авторську назву "ХХ вік", зображує митця в образі Христа з терновим вінком на голові, на його обличчі — печать страждання і болю. Темний, наближений до монохромного, похмурий колорит із тривожними таємничо-мерехтливими відблисками світла в поєднанні з підкресленою гостротою мазка створює напружено-драматичний настрій. У такий спосіб художник розмірковує про сенс земного існування, про призначення митця, про його залежність від життєвих реалій і обставин, які виявляються далеко не завжди прихильними до творця.

Ерделі з захопленням писав портрети своїх колег і друзів, людей, яких любив і добре знав. Сучасники справедливо називали портрети живописця "моральними двійниками моделей". Чудовим взірцем портретного малярства Ерделі паризької доби є полотно "Андерс Остерлінд" (1930), який також зберігається у фондах музею. Невеликого формату камерне живописне зображення відомого свого часу голландського поета і художника-графіка вирізняється неупередженістю, ясною простотою і конструктивністю пластичного вислову. Міцний, енергійний живопис, виразні форми, модельовані експресивними точними ударами пензля, передають цілеспрямований, сильний, вольовий характер самодостатньої творчої особистості — саме таким сучасники знали Андерса Остерлінда.

Одним із найвищих досягнень Ерделі-портретиста справедливо вважається "Портрет А.С.". До речі, саме з цієї роботи розпочалася музейна колекція закарпатського живопису. В архівах музею зберігається документ, власноруч підписаний автором, що засвідчує акт дарування: "Прошу прийняти в дар Закарпатській обласній картинній галереї картину "Портрет А.С." — художник Ерделі". За цими скупими лаконічними рядками — історія ніжних романтичних почуттів. Митець заповідає музеєві, прагнучи назавжди "поселити" в тиші його залів, одну з найдорожчих серцю картин, яка зберігає пам'ять і образи сокровенного, глибоко особистісного, пережитого, несе ностальгічні спогади про щасливі літа, що без вороття збігли. Образ А. С. сповитий легендами, недомовленістю, неясними натяками — недарма авторська назва не розкриває імені жінки, а розтаємничує лише її ініціали. Хто ж така ця загадкова молода особа? Аглая Серемі — ось як звали чарівну модель живописця, про що стало відомо згодом. На момент створення картини цій принадній юнці було шістнадцять років, а автор уже відміряв свої чотири десятиліття. Митець зобразив модель дещо дорослішою, ніби намагаючись підвладними художникові засобами живопису скоротити роз'єднуючу їх вікову дистанцію протяжністю майже у чверть століття.

Це — велика за розмірами ефектна композиція. Вона зображує вродливу молоду жінку у вишукано-елегантній багатій сукні темного кольору, що виграє складними тональними переливами смарагду, та білій хутряній накидці, яка вільно спадає з плеча. Молода жінка сидить у високому кріслі у невимушено-розкутій позі, її заглиблений у себе задумливий погляд "оминає" глядача. Художник передає усю складність почуттів і емоцій цієї привабливої світської красуні. Автора та його модель пов'язують теплі й щирі почуття взаємної симпатії, і художник не вважає за обов'язковим їх приховувати. А. С. назавжди залишилася для нього недосяжним ідеалом, нездійсненною мрією молодості. У "Портреті А. С." Ерделі засвідчив свою обізнаність із малярськими здобутками доброго і вишуканого стилю європейського салону.

Попри всі спокуси і зваби блискучої французької столиці, Париж не зміг заволодіти душею і серцем художника. Та й роки перебування Ерделі в Парижі навряд чи можна назвати добою суцільного свята, періодом загального благополуччя, сповненого матеріальних гараздів та душевного комфорту. Напружена, часом виснажлива праця в художніх майстернях, нерідко — існування на межі бідності, постійні пошуки заробітку, вагання і сумніви в правильності власної творчої програми, а головне — нестримне бажання повернутися в рідні краї, — все це перетворювало
паризьке життя Ерделі на нестерпну екзистенцію в чужині. Ось що писав художник у своєму щоденнику:

"Я в Парижі... і дивно, з якою строгою критикою приймаю все бачене..." І далі — "Я відчуваю, що якась могутня сила предків волає до мене, кличе до своїх коренів, спонукає мене до творення."

Вже знаним художником, митцем з європейським іменем Ерделі повертається на свою батьківщину, туди, звідки почалися його мандри далекими і близькими мистецькими світами. На рідній і дорогій серцю материнській Срібній Землі він разом зі своїм однодумцем і соратником Й. Бокшаєм творить велику справу — започатковує традиції закарпатської художньої школи, яка стала унікальним, широко відомим явищем вітчизняної образотворчої культури.

Після повернення на отчу землю митець не міг вдосталь "надихатися" рідними краєвидами, побаченими по-новому. Досвід тогочасного європейського живопису допоміг йому усвідомити багаті можливості втілення закарпатської природи, що було непросто, бо в краї на той час ще не існувало традицій професійної пейзажної школи. Поступово ця малярська тема в творчості художника набуває рис стабільності й послідовності — як у виборі мотиву, оформленні мистецької ідеї, так і способі реалізації художнього задуму. Найкрасномовніша прикмета пейзажної творчості Ерделі — здатність бачити і зображувати світ проясненим, осяйним, таким як у день сотворіння його Всевишнім — у ясній гармонії, незамуленій чистоті.

Улюблений пейзажний сюжет — краєвид з водою. Це зображення спокійних рік, порослих високими деревами, що мрійливо розкинули свої широкі віяло- подібні гілки, замикаючи композицію по краях, або тихих водоймищ зі складною пластикою крутих берегів і зовсім рідко — гірських потоків та звивистих струмків, що грайливо збігають живописними карпатськими схилами. Саме зображення води, у якій піддзеркалюється увесь неосяжний світ, дало авторові привід і можливість узагаль нити свій великий живописний досвід, вивести особистісну систему композиційного, колористичного та світлового бачення.

Ерделі створює низку чудових краєвидів, у яких свіжість і безпосередність авторського сприйняття світу поєднується з віртуозним умінням стилізувати й узагальнювати форми, обходити зайві деталі, перетворювати натурні враження у промовисті пейзажні образи: "Перед грозою", "Літній пейзаж", "Пейзаж з рікою". Живописець "візуалізує" свої імпресії, послуговуючись багатою декоративною палітрою чистих ясних ко-
льорів з акцентуванням відкритих зелених, смарагдових та оливкових тонів, а також впевненим енергійним ліпленням живописних форм, що зближує малярські якості полотен митця зі стильовими ознаками постімпресіоністичних пошуків.

Ще одна улюблена пейзажна тема Ерделі — сплетіння "чистого" краєвиду з сюжетним або архітектурним мотивом. Внаслідок такого поєднання різножанрових елементів картини митця не страждають від перевантаженості оповідними подробицями. Живописне дійство, яке художник розгортає перед глядачем, підноситься над прозаїчною буденністю, живописець уміє віднайти і побачити в житті прекрасне і зупинити на ньому плин часу. З цим різновидом мистецьких праць знайомлять музейні полотна "Краєвид з рікою", "Хатки біля ріки", "Перед грозою", "Коло монастирської стіни", "Пейзаж із архітектурною пам'яткою", "Дерев'яна церква".

Художні здобутки "європейських мандрів", грунтовний фаховий вишкіл блискуче проявилися ще в одному жанрі, в якому майстер зробив чи не найвищі свої живописні відкриття, — натюрморті. Сміливий декоративізм кольору та пластики, складні ефекти освітлення — це основні живописні проблеми, які незмінно хвилювали митця у цьому різновиді малярства. Натюрморти у творчості художника були не просто щоденними звичними "гамами" для ока і руки, а стверджувалися як велика і самодостатня живописна тема. Ерделі вносить у царину "неживої природи" багато вишуканих, елегантних і свіжих рішень, виділяє улюблене коло предметних зображень, зі смаком добирає об'єкти живопису. Тулячись один до одного або дотримуючись певної просторової паузи, стоять і лежать на дзеркальній поверхні стола предмети — вази і склянки, тарілі й таці, статуетки й годинники, фрукти і квіти. Зазвичай, домінуючою серед них є склянка з водою. Вона концентрує світло в картині, яке ніби "занурюється" в живописний коловорот, стає матеріально відчутним завдяки транспарентності скла і сріблястій прозорості кришталової джерельної вологи.

В автобіографічних сповідях Ерделі є таке поетичне зізнання: "Та склянка води, яку я залишу після себе, не може розкрити глибину моїх почуттів і емоцій... Але, якщо поставити цю склянку на сонце, то в кольоровому напівколі побачите монограму моєї душі."

Сонячні промені по-різному "живуть" у кожному предметі — у шляхетному кришталі виграють кольорним багатством в його нескінченній можливості, таємничо світяться зсередини напівпрозорих порцелянових статуеток, тремтливо вібрують у ніжних пелюстках квітів, холодно виблискують на гладкій поверхні металевого посуду, м'яко відбиваються у теплому полірованому покритті столу, на якому відбувається це свято світла, кольору і форм. Головне для живописця — впіймати цю мить життя сонячного променя. В такі моменти художника охоплював непереборний мистецький азарт і він темпераментним пензлем сміливо накидував фарби на полотно в захопленні красою світу.

Ще один привабливий авторський прийом у мистецтві натюрморту — присутність у творах цього жанру символічної "візитки" живописця, його знакового атрибуту: "картина в картині". Це зображення характерного "ерделівського" краєвиду з водою, що делікатно вписується в канву полотна. У такий спосіб художник ставить перед собою і блискуче вирішує ускладнені образні та формотворчі завдання, засвідчує, що він відбувся як маляр, котрий опанував мистецтво естетизації повсякденних проявів життя.

У своїх живописних шуканнях у царині натюрморту Ерделі багато і охоче експериментує, вдаючись до різних часом неподібних засобів образотворчого формовияву. Трапляється, що роботи, розділені незначною часовою дистанцією, різняться за своїми стильовими ознаками. Наприклад, "Натюрморт з червоною чашкою" або "Натюрморт з пляшкою та фруктами на таці", написані в підкреслено декоративній манері, площинно, з виразним контуром силуетних зображень, а в "Натюрморті з бокалом та фруктами", всупереч традиційній натюрмортній нерухомості, автор вдається до складних живописно-просторових рішень, рухливої динамічної пластики, що робить його манеру суголосною стилістиці експресіонізму.

Ще однією манливою для Адальберта Ерделі темою в мистецтві натюрморту були квіти в пленері. Живописця нестримно вабили мотиви, що самою своєю фактурою, формою, кольором "провокували" і "збуджували" його мистецьку уяву, вимагали ускладнених живописних рішень: "Братки садові", "Іриси", "Флокси", написані легко і віртуозно, гнучкими різноспрямованими мазками.

Досвід сезанівського письма, художні відкриття тогочасних європейських шкіл, зафіксовані картинами Ерделі довоєнної доби, прочитуються і в портретному мистецтві художника. Митець дивиться навколо себе, заглиблюється у своє автентичне середовище. Він знаходить свої моделі у далеких верховинських селах серед вівчарів і лісорубів, сільської бідноти і ромів. В їхніх зображеннях не залишається і сліду вишукано-естетної стилістики "паризького салону", репрезентативності і "картинної штучності" замовних портретів. Художник створював своїх героїв на одному подихові — емоційно, натхненно, швидко, темпераментно. Майстер опікується не тільки відтворенням складних емоційно-психологічних станів, а й вирішенням суто формальних малярських завдань.

Сконцентрованість на естетичній проблематиці передається характеру письма: підсилюється енергія мазка — широкого, експресивного, динамічного, зростає інтенсивність колориту, створеного на звучних сполученнях улюблених відтінків зеленого, динамічна живописна пластика зазнає сміливих деформацій. Ці якості портретного мистецтва Ерделі засвідчуються такими роботами, як "Гуцул", "Гуцул з люлькою", "Старий циган", "Чоловічий портрет", "Старий конюх". У цих роботах спостерігається характерна для портретної творчості художника довоєнної доби підвищена експресія малярства, загострене відчуття себе як невід'ємної органічної частки екзистенції рідного народу з його святами і буднями, боріннями і самоствердженням, плачами та співами.

Ерделі вже переступив межу свого полудня віку, коли на Закарпаття прийшла радянська влада, а разом із нею і "новий порядок". Художник зустрів нову добу захоплено. Сповнений оптимістичних надій і сподівань, малював перед собою райдужні перспективи, пов'язані з відкриттям в Ужгороді Художньої академії. Однак комуністичний режим не тільки не виправдав радісних очікувань митця, а й вписав драматичні, часом трагічні сторінки в книгу життєпису Адальберта Ерделі. В архівному відділі Закарпатського обласного художнього музею зберігається документ, підписаний художником, який вражає своїм трагізмом. У ньому Ерделі під брутальним і безжалісним ідеологічним натиском, зрікається найдорожчого в житті — мистецтва, звинувачуючи себе у найстрашніших, з позиції офіційної влади, гріхах — космополітизмі, фор-
формализме и пособничестве западной буржуазной культуре".

Атмосфера жорсткого ідеологічного пресу, переслідування за найменші прояви творчого вільнодумства, за найнезначніші відхилення від суворо регламентованих вимог і норм методу соцреалізму — все це болісно позначилося на творчості Ерделі.

Ціною цих вимушених компромісів була втрата вищих якостей власного живописного формовияву. Вимушену спробу "примирити" свої мистецькі пристрасті й захоплення із суворими настановами державної культурної політики красномовно демонструє ряд робіт, придбаних Закарпатським обласним художнім музеєм у перші повоєнні роки: "Комсомолка", "Ліквідація неписьменності", "Комсомолка, що пише". Вони виявляють ідейно-образну близькість стилістиці класиків мистецтва соцреалізму. І хоч ці сюжетні полотна, позначені рисами замовної програмності та ідеологічної упередженості, важко віднести до числа вищих мистецьких досягнень Ерделі, все ж вони показують фахову вправність майстра, зберігають енергетику сильного і впевненого авторського малярства.

Вочевидь, художникові могла загрожувати участь багатьох талановитих митців безбарвного тогочасся, які, втративши свою індивідуальність, загубилися, розчинилися у сірому натовпі запопадливих і слухняних прислужників режимної ідеології. Однак висока внутрішня культура, ерудиція і, передусім, фахова гідність допомогли Ерделі зберегти свою мистецьку винятковість. І тоді під талановитим пензлем митця народжуються живописні ремінісценції, що воскрешають кращі художні традиції майстра довоєнної доби. Уявлення про цей різновид художніх праць дають музейні полотна "Гірська річка", "Закарпатська осінь", "Набережна", "Водоспад", "Село біля ріки", "Портрет дружини художника", "Натюрморт".

Намагаючись вивільнитися з міцних ідеологічних лещат, Ерделі шукає творчий порятунок у мистецтві портрету, самовдосконалюється в цьому жанрі, роблячи велику кількість портретних рисунків, замальовок, етюдів. У цих невеликого формату композиціях швидкою, вражаюче точною і вправною рукою митця відтворені живі характери людей, з якими художника надовго, а чи й на мить звели життєві дороги. Частина цих малюнків згодом послужила підготовчим матеріалом в процесі роботи над створенням однієї з найфундаментальніших живописних праць Ерделі повоєнної доби "Груповий портрет ужгородських художників" (зберігається в Національному музеї українського мистецтва в Києві).

Техніка олійного малярства диктувала свою образно-стилістичну лексику. Ерделі обирає для своєї живописної портретної галереї обличчя з близького оточення — колег і друзів, знайомих і членів родини. Він виважено і обдумано "вибудовує" режисуру і сценографію кожного твору, для кожної моделі знаходить найбільш слушну образно-структурну живописну асоціацію. Головне для художника — передача сутності людської особистості з її думками, почуттями, переживаннями, що відтворені в очах, посмішках, руках, жестах. Ці якості портретного живопису Ерделі рельєфно прочитуються в ряді творів: "Портрет А. Задора", "Портрет Н. Знаменської", "Портрет А. Санто". Майже всі полотна написані в строгій стриманій манері, колорит тримається на однозвуччі коричневих, синіх або зелених барв, збагачених складними тональними рефлексами.

Привертає увагу і "Портрет Т. Яблонської", позначений невимушеною природністю і тактовністю живописного зображення. У полотні відсутні ознаки відвертого позування, молода на той час художниця сидить у спокійній зручній позі, її м'який задумливий погляд виказує натуру творчу, романтичну.

Дещо відокремленою за своєю образно-концептуальною ідеєю є одна з останніх за хронологічним відліком значних мистецьких праць Ерделі — парний портрет-картина "Молоді колгоспники" (оригінал знаходиться у Львівському національному музеї, а авторське повторення у Закарпатському обласному художньому музеї ім. Й. Бокшая). В полотні живописець "згадує" щедре багатобарв'я своєї палітри, що виграє яскравими соковитими декоративними кольорами, повертається до виразного площинно трактованого силуетного письма, оптимістичного іскрометного малярства. Маестро звеличує і славить життя, а в ньому — радість і щастя кохання та молодості.

Однією з найпослідовніших і усталеніших портретних тем Ерделі упродовж усього його творчого життя було власне зображення (як відомо, художник для себе завжди є найзручнішою і непримхливою моделлю — завжди "під рукою", завжди готовою до позування). Характерні риси обличчя митця "вгадуються", проступають, як у ряді сюжетних композицій ("Прозріння єпископа", "Ліквідація неписьменності"), так і в "чистих" автопортретних живописних віддзеркаленнях ("ХХ вік", "Автопортрет" паризького періоду). Остання за часом виконання творча праця цього циклу, що зберігається в музейній збірці, — "Автопортрет", датований 1950-м роком. Митець зобразив себе за мольбертом із пензлями в руках, адже творчість для нього — сенс і зміст життя. "Життя художника минає, наче сон", — ці ліричні зізнання зі щоденника Ерделі свідчать про філософське осмислення митцем проблеми протистояння творця швидкоплинності часу. Маестро зобразив себе молодим, незалежним, впевненим, вільним у своїх творчих пориваннях — таким хотів залишитися в пам'яті нащадків. Цей автопортрет є живописним заповітом часам прийдешнім.

Скоро художника не стало... Адальберт Ерделі — митець, який височить над часом. Він збагатив світ талановитими творіннями, що уславлюють красу і радість життя. І сьогодні, на початку нового століття, маючи за собою більш ніж піввікову історію, полотна живописця не втратили манливості новизни та свіжості і виглядають напрочуд молодими. А головне — в кожному з них сонячним променем світиться монограма душі Маестро.

Олена ПРИХОДЬКО,
Галина РИЖОВА,
мистецтвознавці, наукові співробітники Закарпатського обласного художнього музею ім. Й. Бокшая
Ужгород, 2007

**********

THE MONOGRAM OF MASTER'S SOUL

painting heritage  of Adalbert Erdelyi in Y. Bokshai Transcarpathian art museum

"I perceive life in all its forms and infinite number of expressions. I regard life as some impression and then I represent it in colour and reflect its mood..." this quotation from Erdelyi's writings is the key to understanding the art of the great master of painting who became a prominent artistic figure not only in Transcarpathia and Ukraine but also in all European art of the twentieth century.

Erdelyi is the artist with a very deep aesthetical perception of the world. His art is characterized by a deep system of images created in all genres of applied art. Erdelyi is a great master of oil technique. He is the author of colourful compositions. At the same time he could skilfully and lively express himself in drawing. At present Erdelyi's paintings constitute the golden fund of the Ukrainian national heritage. His paintings are preserved in both Ukrainian and foreign museums. The greatest and the most complete collection of Erdelyi's paintings is owned by the Y. Bokshai Transcarpathian regional museum of art. This collection allows to form the idea about the size of the master's talent. It also gives us the opportunity to see the artist's professional development from the very first independent steps in the creation of the best samples of his polyphonic painting. During his life Erdelyi created hundreds and maybe even thousands works of art.

One of the most famous early paintings of Erdelyi is the portrait of his mother dating back to 1914. This year coincides with the year of Erdelyi's graduation from Budapest Art Academy. Although the academic influence is still visible in this portrait Erdelyi demonstrated his mastery of realistic techniques here. This work testifies to Erdelyi's natural talent and demonstrates good and profound academic artistic education acquired in one of the famous European schools of art.

Later Erdelyi got rid of his signs of professional immaturity and developed his deep aesthetical sense after travelling around Europe and getting to know the best artistic experience of Budapest, Munich, Vienna and Prague.

Since the moment of self-identification starting from the 20's there started a very fruitful period in Erdelyi's life — his painting techniques developed very confidently and steadily. Gradually there disappeared the unnecessary detailed elaboration and descriptiveness, his style became more distinct. It is characterized by clear palette and silhouette. The artist used expressive painting plastics and free broad strokes of brush. The new Erdelyi's style is represented by such paintings like "Park in Munich" (1920's), "The old man" (1924), "Artist's father" (1926), "The portrait of bishop Vasyl Tokach" (1927). That period can be considered as the beginning of the chronology of Erdelyi's confident creative development.

In the late 20's Erdelyi created a lot of serious works of art in various genres. He is equally good at landscape, still life and portrait painting. Erdelyi's style gradually obtained new artistic qualities. They are expressed in the use of dominating strong colours, moderate stylization and generalization as well as free artistic improvisations. At the same time Erdelyi preserved his subjective and objective attitude to his sitters. One of the best samples of that period is the picture called "The young artist" (1928). Erdelyi painted his young and attractive model in his studio in the background of the artistic interior — embroidery, tapestry, paintings and sculptures. The girl is feeling at ease and comfortable in the armchair. She is looking at the world and us. The girl is harmoniously integrated into the atmosphere of the studio. She feels comfortable in the bright element of colours and forms. The painting has the idea of affirming beauty and youth, happiness and joy of life.

The tendency toward the enriching as well as the renewal of the individual means of form creating is observed in a number of other paintings such as "The Gipsy woman" (1928) and "Still life with drapery" (1927). Hot and cold colours that seemed to be half asleep in Erdelyi's earlier paintings woke up and found their natural place on a canvas. Colours blend, mix and combine on the master's canvas creating the unique harmonious polyphony. The expressive plastics confidently generalizes, stylizes and freely deforms the forms. There appear one more artistic innovation — the three-dimensional convincing extensiveness of spatial and structural decisions is substituted by the decorative expressiveness of the spatial and silhouette painting. At that period A. Erdelyi discovered one of his most favourite motives of his art — water. For the first time in the picture "Glasses with water" (1925) there appears a glass with crystal clean well water. Water becomes a mythical and poetic symbol in Erdelyi's art. Water is the embodiment of beauty and perfection, cleanness and harmony. It is also the source that gives life to everything on the planet. All future Erdelyi's work developed under the sign of water. The idea of water connects Erdelyi's paintings. Later it is enriched by new ideas and plastic images.

The period from the 1920's to the 1930's plays an extremely important role in Erdelyi's life. The destiny of art led him to Paris — the European cultural and art Mecca. At that time Paris determined the aesthetic norms and strongly influenced the artistic processes of various national schools all over the world. However Erdelyi did not come to the dazzling city as a shy beginner of art. He was not lost in the diverse kaleidoscope of artistic genres and innovations. With his deep and highly developed aesthetic sense and experience obtained in Budapest and Munich Erdelyi felt absolutely confident in this Parisian element of various aesthetic forms. Erdelyi was impressed by the works of such different artistic personalities like Matisse, Derain, Vlaminck, Dufy. Erdelyi was especially impressed by the constructiveness of Cézanne. Erdelyi took part in prestigious exhibitions together with his celebrated colleagues and achieved success. His brave painting manifestations produced a positive and warm response from professionals and connoisseurs of art.

In those years the artist started showing interest in his own face. In Transcarpathian art museum we can see two portraits created at that period. One of them represents the author in a casual, easy and playful manner. We can see the elegantly dressed young man, the representative of high aristocratic circles of Paris, constant visitor of artistic salons and cafés. The refined features of the prolonged face, unsteady pose, long and thin fingers express the creative, artistic and sensitive character of the artist. 

Contrastively, the second self-portrait represents Erdelyi in the image of Jesus Christ with a crown of thorns on his head. His face — the incarnation of torturing and pain. The tense and dramatic mood of the picture is created with the help of the emphasized sharpness of brush strokes together with the dark, monochromatic, gloomy colours combined with alarming and enigmatic gleaming light. Erdelyi is meditating on the sense of earthly life and existence, the destiny of artist as well as the dependence on various circumstances which are rarely favourable for creating.

Erdelyi painted with delight the portraits of his friends, colleagues and the people he knew very well. The critics of art were right in calling his portraits the "moral doubles of the models". The portrait of "Anders Osterlind" (Transcarpathian art museum) is one of the best samples of Erdelyi's Parisian period. The small portrait of the famous Dutch poet and graphics artist is notable for its impartiality, clear simplicity and constructiveness of plastic expression. The strong and energetic painting, distinctive forms formed by very exact and expressive brush touches represent the determined and strong-willed character of Anders Osterlind — just the way his friends used to know him.

One of the greatest Erdelyi's achievements in portrait painting is considered to be the "Portrait of A. S." — the first painting owned by the museum collection of Transcarpathian art. In the museum's archive there is still a document that confirms Erdelyi's wish for the painting to be given to the museum: "This is to certify my wish for the "Portrait of A. S." to be presented to the regional art gallery. — Adalbert Erdelyi". This laconic and rather dry phrase conceals the story of tender and romantic relationship. The artist wishes to place one of the most treasured portraits to his heart in the quietness of the museum halls. The portrait of A. S. preserves the memories of something very dear and intimate. It contains the memory of the nostalgic years of happiness that are gone forever. The image of A. S. is spun of legends, unsaid words and unclear hints. It is not accidental that the artist did not reveal the girl's name, he wrote down only her initials. Who is this young enigmatic lady then? Aglaya Sereny — this is the name of Erdelyi's young lovely model. When Erdelyi painted her portrait she was only sixteen years old whereas Erdelyi had already turned forty. The artist painted his model much older trying with the help of art to shorten the age gap which was almost twenty-five years long.

This is a very big in size and impressive painting. It depicts a beautiful young lady in the rich, elegant dark green dress with emerald tones. She has a loose white fur cape over her shoulders. The young lady is casually seated in a tall armchair. She is deep in herself and her thoughtful eyes "avoid" the eyes of the viewers. The artist showed all the complex feelings and emotions of this attractive aristocratic beauty. The artist and the model are connected by the warm and sincere feelings of mutual likeness. The artist does not intent to conceal them. A. S. will forever remain for Erdelyi the unreachable ideal, the dream of youth that did not come true. In the A. S. portrait Erdelyi fully demonstrated his mastery of the refined style of European salons.

In spite of all the dazzling temptations of the French capital Paris could not capture artist's heart and soul. Besides, the years Erdelyi spent in Paris can hardly be called the period of unceasing holiday, the time of well-being full of complete material success and spiritual comfort. The tense sometimes even exhausting work in studios, occasional existence on the brink of poverty, constant searching of finances, doubts and second thoughts about the choice of his artistic development, and most importantly — the unceasing desire to return to his native land, — turned Erdelyi life in Paris into unbearable existence in a foreign country. This is what he wrote in his diary: 
"I am in Paris... and it is so strange that I look at every thing so critically..." — "I feel that some great power of my ancestors is calling me back to my roots and encourages me to create."

He came back as a famous and acknowledged artist in Europe. He returned to the starting point of all his wanderings around Europe. Here in his native Transcarpathia Erdelyi together with his friend Yosyp Bokshai did a great deed — they established the traditions of Transcarpathian school of art which was to become a unique and well known phenomenon in Ukrainian and European culture.

After his return to Transcarpathia Erdelyi could not have enough of the native air. He started seeing nature with different eyes. The experience obtained in Europe helped Erdelyi to realize the rich opportunities of expressing Transcarpathian nature. That was quite a difficult task as in the region there did not exist any professional traditions of landscape painting. In Erdelyi's works this painting theme gradually acquired the features of stability and consistency in the choice of motive and manner of realization. The most eloquent feature of Erdelyi's landscape painting is the ability to see the world as clean and harmonious as at the first day of its existence.

Erdelyi's most favourite painting motive — landscape with water. He often painted calm rivers with dreamy high trees on their banks. The branches of trees usually embraced and finished the composition of the picture. Erdelyi also painted calm lakes with complex plastics of steep banks. Erdelyi very rarely painted the fast mountainous torrents running down the picturesque hills of the Carpathians. That was the painting of water reflecting all the surrounding world that gave Erdelyi the opportunity for the generalization of all his painting experience and deduce his own personal system of compositional, colour and light vision.

Erdelyi created a number of wonderful paintings in which the author's fresh world perception is combined with his skill of stylization and generalization of forms. At the same time Erdelyi managed to avoid unnecessary details. All this turned his natural impressions into eloquent landscape images such as "Before the thunderstorm", "Summer landscape", "The landscape with the river". The artist visualised his impressions using rich decorative palette of clear colours with the accentuation on open green, emerald and olive tones. All this was combined with the energetic moulding of painting forms which made his painting qualities close to the features of post-impressionism.

Another Erdelyi's favourite landscape theme was the combination of "pure" landscape with some plot of some architecture motive. As the result of combining elements from various genres Erdelyi's paintings did not suffer from the unnecessary descriptive details. The created artistic plot usually rises above the common daily life. The artist is able to see something beautiful in life and make the time stop. This is shown in the following paintings such as "Landscape with the river", "Houses near the river", "Before the thunderstorm", "By the monastery wall", "The wooden church".

Erdelyi's professional academic training obtained during his wanderings across Europe found their expression in probably most successful Erdelyi's genre — still life. In still lifes Erdelyi was especially interested in such problems like brave colour decoration and complex light effects. Still lifes were not just a kind of working out for Erdelyi's eyes and hands. In his art they became an important and self-sufficient painting theme. Erdelyi brought new fresh ideas into the realm of "living nature". He determined his favourite objects for painting and carefully chose them for every new picture. They either touch each other or keep a certain spatial distance, stand or lie on the mirror like table surface. These objects usually include vases and glasses, plates and trays, small statues and clocks, fruit and flowers. As a rule a glass of water dominates among the objects. Water usually becomes the concentration of light in the picture. The light as if absorbed into the colour whirlpool became materialistic due to the transparency of glass and silver glittering of crystal clean water.

In his diaries Erdelyi wrote: "The glass of water that I leave after myself cannot express the depth of feelings and emotions. However, as soon as the sun ray touches the glass you can see the monogram of my soul in one of its hemispheres".

Sun rays live a different life in every single object: inside the noble crystal they glitter with all colour richness in all its unlimited possibilities, they shine enigmatically inside half transparent china statues. The sun rays vibrate tenderly in flower petals and produce cold light in the smooth surface of metal plates. It is tenderly reflected in the warm polished surface of the table. The most important thing for the painter is to grasp the short life of a sun ray. In such moments the artist was carried away by his painting hazard. He courageously painted the beauty of the world on his canvas.

Another visiting card of Erdelyi's style is the symbolic presence of the "picture in the picture". This element is characteristic of Erdelyi's landscapes with water. It is delicately integrated into the texture of the painting. In this way the artist brilliantly solved the complicated image problem and form creating tasks. It proves that he became the artist who had mastered perfectly the art of aesthetic vision of daily details.

In his artistic searching in the domain of still lifes Erdelyi eagerly conducted experiments using very unlike means of expressing artistic images. It occurs that his paintings created at close time periods differ in their stylistic features sometimes. The pictures "Still life with the red cup" or "Still life with the bottle and fruit on the tray" were painted in the emphasized decorative manner with a very distinct outline of silhouette expressions. However, in the "Still life with glass and fruit" the author made use of the complicated painting and space solutions as well as dynamic plastics in spite of all the traditional unchanged character of still life painting. This makes his art close to the stylistics of expressionism.

Erdelyi was also especially interested in the theme of flowers in their natural setting. The artist was extremely attracted by the motives that due to their texture, forms and colours "provoked" and demanded complicated artistic solutions. This is expressed in such paintings like "Pansy flowers", "Iris flowers", and "Phlox flowers". These pictures are created in a light, virtuoso way using flexible brush strokes directed into different ways.

Cézanne's painting experience as well as the achievements of European artistic schools of that period are fixed not only in Erdelyi's painting of the pre-war period but also in his portraits. The artist started to be more interested in the authentic surroundings. He found his models among shepherds and wood cutters, Gypsies and peasants in poor villages in the mountains. In the portraits of such people there is not a single trace of elegant stylistics from Parisian salons. There is no representation and painting sophistication that can be observed in ordered portraits. Erdelyi painted his new heroes very emotionally and quickly inspired by their looks and sincerity. The master cared not only for finding concrete painting solutions but also for reflecting complicated emotional and psychological states of his models.

The concentration on the aesthetical problems influenced artist's painting techniques. Thus the energy of brush strokes was strengthened. It became broad and dynamic. The favourite combinations of green colour as well as painting dynamics experienced courageous deformations. The new Erdelyi's qualities of painting were expressed in such pictures like "The Hutsul man", "The Hutsul man with a pipe", "The old Gipsy", "Man's portrait", "The old groom". These are the characteristic pictures of the pre-war period with the emphasised expressiveness. In these paintings Erdelyi reflected himself as the natural part of his native people with their happy and sad days.

Erdelyi had already reached the prime of his life when the political regime changed in Transcarpathia. The Soviets established a new order in the region. The artist met the new epoch quite excitedly. He hoped the new regime would make it possible to establish the art academy in Uzhgorod. However, the Soviet regime did not meet the joyful expectations of the artist's. What is more it wrote some new tragic pages in the life-book of Adalbert Erdelyi. In the archive department of Transcarpathian art museum there is an impressively tragic document signed by the artist. Erdelyi was made to renounce the most precious thing in his life — art. Being under ruthless and brutal pressure Erdelyi was made to accuse himself of "cosmopolitism", formalism and promotion of bourgeois culture.

The atmosphere of severe ideological pressure and haunting for the smallest signs of free thinking, punishment for the least deviations from the strict rules and norms of social realism took their painful toll on Erdelyi's life and art.

The loss of Erdelyi's best painting qualities was the price for those terrible compromises. Erdelyi made the necessary and painful effort "to make peace" between his artistic views and the strict forms of the state cultural politics. This is well demonstrated by a number of paintings which were bought by Transcarpathian art museum after the war. These pictures with "Soviet" names are "The young Communist Leaguer", "Annihilation of illiteracy", "Young Komsomol girl writing". They are ideologically close to the classical samples of soviet social realism. These pictures are marked by visible ideological bias and it is impossible to compare them with Erdelyi's previous works. However they still demonstrate the professionalism and the great energy of the author's style.

Obviously, Erdelyi faced a similar danger experienced by many artists of that time who had lost their artistic individuality, dissolved and got lost in the gray crowd of obedient slaves of the Soviet regime. Erdelyi's erudition, inner culture and first of all his professional dignity helped him preserve his exceptional artistic style. The artist's talented brush gave birth to one of the best paintings that reanimated Erdelyi's pre-war painting traditions. This new breath in Erdelyi's work is seen in such paintings like "The mountainous river", "The water fall", "Village near the river", "The portrait of the artist's wife", "The still life".

Erdelyi saw his rescue from the ideological regime in the art of portrait painting. He was constantly improving in this genre by drawing lots of sketches. In those compositionally small pictures the artist drew the live characters of people he met just for a moment or had known for a very long time. Some of those sketches served as the future basis for one of Erdelyi's most fundamental paintings of post-war period — "The group portrait of Uzhgorod artists" (Kyiv National Art Museum).

The oil painting technique determined its image and stylistic vocabulary. Erdelyi usually chose models from his close circle — friends, colleagues and family members. He created the scenario of each painting very thoughtfully and patiently. He always tried to find most logical, structurally correct painting associations for each model. The most important thing for the artist was the reflection of the human essence expressed in a smile, gesture of arms and eyes. These qualities of Erdelyi's portrait painting are manifested in such works like "Portrait of D. Zador", "Portrait of N. Znamenska", "Portrait of A. Santo". All of these pictures are painted in a strict and very retained manner. The general palette is constituted by the harmony of brown, blue or green colours enriched by complex tonal additions.

The portrait of T. Yablonska draws viewers' attention due to its natural character and tactfulness of the expression. The young artist is sitting in a casual and comfortable position deprived of any visible signs of direct modelling. Her tender, thoughtful look betrays a very romantic and creative personality.

The picture "Young collective farmers" (Original painting now owned by Lviv national museum and its author's replica is owned by Transcarpathian art museum) stands out in Erdelyi's usual conceptual system. In this picture Erdelyi as if remembered again all generous colours of his palette. He returned to the distinctive and very optimistic silhouette painting. This is the anthem of life, happiness of loving and being young.

The self-portrait played an important role in the course of Erdelyi's whole life. The characteristic features of artist's face "come out" in a number of plot compositions such as "Bishop's recovering his sight", "Annihilation of illiteracy". There are also "pure" self-portraits ("The XX century", "The self-portrait" belonging to Parisian period). The last self-portrait of this period dates back to 1950 (Transcarpathian art museum). Here Erdelyi painted himself in front of the easel with brushes in his hands showing that art is the essence and the purpose of his life.

"Artist's life passes by like a dream", — Erdelyi wrote this poetic phrase in his diary. It proves that Erdelyi always thought about the contradiction between artist and time. The Master painted himself young, independent, confident and free in all his inspirations — he wanted people to remember him like this. This self-portrait is Erdelyi's last will in painting to the future times and generations.

Soon after that the artist who was above the time passed away. Erdelyi enriched the world with his paintings that glorify beauty and joy of life. Even today after so many years at the beginning of the new century Erdelyi's paintings look fresh, energetic and young. In each of them — the monogram of Master's soul is shining like a sun ray.

Olena PRYKHODKO,
Halyna RYZHOVA,
art critics,
scientific workers of Y. Bokshai
Transcarpathian art museum